DocMac

DocMac: Declaración Curatorial

Curadora: Carmen Oquendo-Villar

Galería Nuevas Tendencias

Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (25 junio -6 agosto, 2010)

Artistas:

Miguel Villafañe: 25 de junio- 4 julio, 2010

Anaida Hernández: 7 -15 de julio, 2010

Sofía Maldonado y Darren Brass: 20- 29 de julio, 2010

Nayda Collazo-Lloréns: 1- 6 de Agosto, 2010

Sofia Maldonado y Darren Brass,

Sofía Maldonado, Pintando

Darren Brass Tatuando

Publicado por DocMac en 8/14/2010 11:05:00 a. m.

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Nayda Collazo-Llloréns

ago 14 (4)

Al acercarse la fecha de Reverberación —el Taller Vivo de Nayda Collazo-Lloréns en el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (1-6 de agosto de 2010), bajo la curaduría de Carmen Oquendo Villar—, vale la pena asomarse a la obra de esta artista extraordinaria cuyo arte conceptual se ha estado desarrollando desde muy joven.

Collazo-Lloréns ha desplegado lo que yo llamaría un "talento inteligente" en diferentes géneros del arte contemporáneo, no sólo la obra en lienzo o en papel, sino la intervención en el espacio público, el arte público-arquitectónico, el vídeo y la instalación.

En cada una de sus manifestaciones, su obra demuestra un dominio del amplio repertorio formal y temático del arte conceptual, mediante el cual empuja hacia el límite la expresividad de las materias, de las formas y de los medios a su haber.

La artista se enfoca en lo que hace siglos los filósofos llamaban "inventio": la manera de combinar lo existente para crear nuevos significados. La "inventio", al reordenar el mundo, logra un cometido doble: crear lo nuevo mientras se hace referencia directa a la creación anterior. Así, se trata de una práctica artística que comenta los nuevos modos de hacer mediante el descoyuntamiento de los "viejos" modos.

Reverberación, la intervención que Collazo-Lloréns llevará a cabo en el MAC durante el Taller Vivo fraguado por la curadora Carmen Oquendo Villar —titulado DocMac— persigue el desarrollo de una teoría del objeto/intervención del arte, esta vez en el museo mismo: el desafío del objeto en favor de aspecto aparicional, precario, efímero y fortuito de la obra de arte.

Nayda Collazo-Lloréns nació en San Juan, P.R., recibió un Bachillerato de Massachusetts College of Art y una MFA de la Universidad de Nueva York. Participante destacada en la Xma Bienal de La Habana, ha sido reseñada elogiosamente por el New York Times, Art Net, Art Nexus y Art News, entre otras publicaciones profesionales. Recientemente se traslada de Pittsburgh a Kalamazoo.

Nota de Lilliana Ramos Collado, Ph.D.

Curadora, Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico

Comunicado de Prensa

Del domingo, 1 al viernes, 6 de agosto, la artista puertorriqueña Nayda Collazo-Lloréns producirá “in-situ” el proyecto REVERBERACIÓN en el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC). Ello como parte del Taller Vivo: DocMac curado por la artista, cineasta y curadora independiente Carmen Oquendo-Villar.

Durante su residencia, que tendrá como base la Sala de Proyecciones y Documentales, Collazo-Lloréns utilizará el MAC como sujeto y como contexto para producir una serie de instalaciones de video que intervendrán diversos espacios del Museo. El público será testigo, y por momentos partícipe, del proceso artístico de la artista, ya que la obra será creada en su totalidad durante esta residencia en el horario regular de la institución.

Para este proyecto, Collazo-Lloréns explorará detalles y situaciones que podrían pasar desapercibidos para el espectador casual. El material grabado será manipulado digitalmente y vuelto a introducir en el espacio mediante proyecciones, sugiriendo una nueva mirada y creando un eco o reverberación visual entre el sujeto y su nueva representación.

La idea de información y señales interceptadas, procesadas, alteradas, recodificadas y reenviadas ha sido un elemento importante para esta artista. En su obra, la aglutinación y restructuración de data, que suele combinar imágenes, marcas, sonidos y textos, crea un paisaje mental en el cual la memoria, el lenguaje y temas de desplazamiento y simultaneidad juegan un papel central. Ejemplo de ésto es su proyecto en múltiples medios titulado ESCaperucita & Little Flying Hood, el cual narra la historia de dos personajes cuyos aviones se pierden en una turbulencia textual sobre el Caribe. El mismo fue producido para la 10ma Bienal de La Habana, llevada a cabo el año pasado.

Nayda Collazo-Lloréns es una artista visual que trabaja diversos medios, incluyendo medio mixto sobre papel y canvas, vídeo, instalaciones e intervenciones públicas. Posee un BFA del Massachusetts College of Art, Boston (1990) y un MFA de New York University (2002). Ha expuesto a nivel local, en numerosos espacios en los Estados Unidos, e internacionalmente en 12th International Media Art Biennale, Polonia (2007), en la 9na Bienal Internacional de Cuenca, Ecuador (2007), y en la 10ma Bienal de La Habana, Cuba (2009).

REVERBERACIÓN se suma a la lista de proyectos “in-situ” que esta artista visual ha trabajado en varias instituciones durante los pasados años, incluyendo una instalación producida para el Mattress Factory en Pittsburgh (2009-10), una intervención urbana utilizando la vitrina del centro de arte digital MediaNoche en Nueva York (2008) y la intervención textual comisionada para la entrada del Museo del Barrio en Nueva York (2007). También, cabe mencionar la intervención comisionada para la publicación Chicana/Latina Studies: The Journal of Mujeres Activas en Letras y Cambio Social publicado por MALCS y Loyola Marymount University en Los Ángeles (2007); su reciente proyecto de arte público creado en colaboración con Toro Ferrer Arquitectos para el nuevo edificio de la Facultad de Estudios Generales de la Universidad de Puerto Rico (2004-10); y las intervenciones en la fachada y vitrina de la Galería Raíces entre el 1999 y el 2003.

Este proyecto es el tercero del Taller Vivo: DocMac curado por Carmen Oquendo-Villar, el cual inauguró con la participación de Miguel Villafañe y seguido por Anaida Hernández, Sofía Maldonado y Darren Brass. DocMac, según Oquendo-Villar, replantea la ola memorística puertorriqueña y las estrategias de rescate de nuestros legados artísticos e históricos.

“El programa de Taller Vivo fue establecido por el MAC con el propósito de proyectar a la institución como un centro vital del arte emergente. Siendo característica notoria del arte contemporáneo su énfasis en los procesos de conceptuación, factura y puesta a la vista de obras e intervenciones, el centro vital debe ser, sobre todo, un taller de trabajo donde los artistas puedan elaborar su obra, dándole al público acceso a esta dimensión del arte y consolide de esta forma su educación sobre lo contemporáneo. La invitación hecha por el MAC a curadores que desarrollan proyectos de arte emergente cumple con este objetivo y propicia el contacto directo de los artistas con el público que nos visita”, comenta Marianne Ramírez Aponte, Directora Ejecutiva del Museo.

La clausura del proyecto se llevará a cabo el viernes, 6 de agosto a las 7:00 p.m. El público tendrá la oportunidad de apreciar otra vez el trabajo de Collazo- Lloréns el sábado, 7 y el domingo, 8 de agosto en el horario regular del MAC. Para más información sobre el proyecto, los interesados pueden comunicarse al (787) 977-4030, extensión 242. El Museo de Arte Contemporáno de Puerto Rico (MAC) está ubicado en el Edificio Histórico Rafael M. de Labra, Avenida Ponce de León, Parada 18 en Santurce.

Hacia un arte de lo intangible. Conversación con Nayda Collazo-Lloréns

Nayda Collazo-Lloréns en el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, en preparación de su obra Reverberación para el Taller Vivo DocMac, curado por Carmen Oquendo Villar.

Con motivo de la residencia artística de Nayda Collazo-Lloréns en el Taller Vivo DocMac, curado por Carmen Oquendo Villar en el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, tuve la oportunidad de entrevistar a la artista el lunes 2 de agosto. Conversamos de muchos aspectos de su carrera artística mientras entraban vsitantes y curiosos a ver cómo progresaba la obra Reverberación. Lo que sigue es un extracto de nuestra amena conversación.

Lilliana: Hablemos del umbral, de ese sitio bifronte que te permite saber cuándo pasaste al otro lado, cuándo saltaste de una vida cotidiana a una vida de imaginación y de creación artística, en que respondiste al llamado, a la vocación…

Nayda: Te va a sonar trillado, pero yo fui de las niñitas que estaba cogiendo arte en La Liga [de Arte de San Juan] desde los cinco años, donde estudié con gente como Sobrino cuando era jovencito. Me fascinaba. Y por ahí seguí. Creo que consideré otra profesión por quince minutos, y se acabó. En realidad nunca me planteé que había otra posibilidad. Estudié diseño gráfico, grabado… pero entonces no había la pluralidad que hay ahora. En mi familia hay mucho talento: un abuelo escritor, mi papá y mi hermano dibujan precioso… siempre hubo algo de eso.

Lilliana: ¿Cómo tomaste la decisión de estudiar arte formalmente?

Nayda: Me fui a los Estados Unidos porque nadie me orientó sobre lo que se podía estudiar aquí. Pero me interesaba era la tecnología, desde escuela superior. Tuve mi Commodore 64, la Apple para hacer dibujos y figuritas en animación… en programación Basic. Originalmente pensé estudiar algo que tuviera que ver con gráfica en computadora y eso me hizo pensar en irme fuera. Caí en Boston por casualidad, mi hermana vivía allí, y en Boston estaba Massart, la única escuela pública de arte en los Estados Unidos… Estuve allá cuatro años, terminando el bachillerato, regresé a Puerto Rico e hice mi carrera en la Galería Raíces. Luego de trabajar Evidencia, (1999, parte de la colección permanente del Museo de Arte contemporáneo de PR) me di cuenta de que mi obra había dado un giro, el trabajo en vídeo y proyecciones, y me di cuenta de que debía hacer otras cosas. Decidí hacer una maestría en arte que fuera interdisciplinaria, y me fui a NYU.

Lilliana: Cuando exploras los medios de expresión… ¿qué te ofrece la tecnología?

Nayda: La tecnología me da lo intangible. Me ofrece lo que puede estar en la mente, lo que puede estar dentro, lo que puede ser una la memoria, lo que puede ser una fantasía que no existe y que no quiero que sea concreta, y que no quiero se pueda tocar, sino que está en movimiento y te la perdiste. Otros medios no me ofrecen eso. Lo que me interesa no es el tiempo, ni la relación del video con el tiempo, sino el elemento de la luz y lo efímero de la proyección. Prefiero la proyección porque un monitor es, al fin y al cabo, algo que puedes tocar… algo que se relaciona con cosas que tienes en la casa, como televisores… Cuando uso monitores, trato de evitar esa asociación, o colocarlos en la oscuridad, donde no se vean como tales. El video me ofrece esa memoria. Puedo hablar a nivel simbólico, a nivel de contenido, a nivel de contexto. Me ofrece también lo fenomenológico, de una manera más compleja…

Lilliana: Yo no asocio la experiencia del video con “lo fenomenológico”. ¿Puedes explicar un poco más?

Nayda: Trabajo lo fenomenológico cuando trabajo la instalación, cuando trabajo con el espacio. La instalación me permite trabajar con el espacio físico de la audiencia, y también con el espacio mental… Y me permite manipular la experiencia de modos que no ofrecen otros medios. Obligo a la gente a navegar mi espacio… No veo esto como tecnología, ni como algo “innovador”, porque eso dejó de serlo hace décadas…

Lilliana: El reto de la instalación es cómo interpelar ese sensorio, cómo capturar sentidos “inusuales” que no tienen su propio órgano, como la vista o el oído… el sentido de movimiento, de aceleración, de temperatura, de altura, de inclinación… Me parece ver una asociación entre tu interpelación a esos otros sentidos y tu interés por lo geográfico, por el viaje, por los archivos que funcionan como ambientes… Como si impusieras un nuevo espacio sobre el espacio de la galería o del museo… Usas la tecnología para provocar desorientación-reorientaci

ón en tus espacios… Espacios inexplicables precisamente porque los explicas demasiado, hasta el desconcierto…

Nayda: Cuando estoy trabajando con algo que me sale del alma, ese es mi espacio, mi cuento, mi marca. Cuando estoy trabajando con el video, es mi pieza. Cuando estoy trabajando con el espacio, con la instalación, con la arquitectura, con sonido, estoy totalmente pensando en la audiencia.

Lilliana: Me interesa lo que la tecnología vehicula en su impacto fenomenológico. Si nuestro cuerpo es nuestra manera de estar en el mundo, como una brújula, me interesa cómo tú, al impactar el sensorio, afectas el espacio que el cuerpo mismo determina con su “estar ahí”. ¿Cómo tú ves la relación entre tu obra y el visitante? Porque una cosa es tu lugar como artista, y tus experiencias, y otra cosa es lo que puedes suscitar en el visitante, que no tiene tus experiencias ni tus memorias…

Nayda: El espectador está totalmente presente en mis instalaciones. Qué va a mirar primero el espectador, cómo puedo cambiar eso, cómo dislocarlo, es totalmente problem-solving, y eso me gusta. De momento estoy trabajando con tres, cuatro, cinco dimensiones, y trabajando de otra manera para alguien más. Interviniendo la presencia de alguien. Queriendo hacer algo con esa persona, que vea algo de manera distinta o que experimente algo de una manera en que no lo había hecho antes… aunque no lo pueda verbalizar, igual puede provocar otras cosas, otras memorias, otros momentos, otros visuales.

Lilliana: Tu Reverberación, parte del Taller DocMac que estás trabajando ahora mismo, ¿tú consideras que es una instalación?

Nayda: Ya veremos. Porque aquí están pasando varias cosas, van a pasar intervenciones en distintos espacios, como originalmente propuse, casi como gestos, algo que no se supone que esté ahí y de momento está… algo inesperado que te encontraste y eso son intervenciones, no instalaciones. Lo que habrá en esta sala será una instalación interactiva en que el auditorio interrumpa, tape el proyector… tu presencia misma está nublando la proyección, está creando otra cosa… eso sí lo veo como instalación. La pieza no puede estar ni existir sin el público dentro.

Lilliana: Me llama mucho la atención la constante referencia a la geografía en tu obra… mapas, topografías, archivos de muestras de un lugar… Pensando en Evidencia, que usa dos sistemas de archivo: la colección de materias, y el recuento en la base de “datos” que recoge lo lírico, el sueño, variantes de la imaginación, y todo esto relacionado con tu proceso de andadura, de “reconocimiento” de una geografía específica que deseas “documentar”...

Nayda: Cuando hablo de los archivos, cuando hablo de los laberintos, ya sea en mi obra sobre tela —que son como mapas y laberintos—, al igual que cuando trabajo mapas en las instalaciones murales, hablo de la navegación y del juego, sobre todo de la navegación, y ese interés está en toda mi obra. Lo veo en el medio que sea, el hecho de que tienes que ir de un punto a otro y que tienes que seguir andando…

Lilliana: Como decía Federico García Lorca, “Vamos a no llegar… pero vamos a ir”…

Nayda: Eso me interesa. Lo puedo atar con mi experiencia de vida, con mis movimientos geográficos, con mi trabajo con el idioma, esa mescolanza, ese aquí y allá, la mezcla del medio y de lo real, la mezcla de lo virtual y lo real, de estar en montones de sitios a la misma vez… La tecnología nos permite eso. Pero la propia mente también: estoy aquí hablando contigo, suena un ruido, y mi mente se conecta con otro lugar… Esa pluralidad la tenemos todo el tiempo. Se trata de la percepción, de atar cuál sentido con cuál memoria… Me interesa explorar esa percepción humana en mi obra. Cómo yo puedo provocar esa percepción en las personas… Considero que los hyperlinks son olores, sonidos, palabras…más que memorias… Son flechas que conectan. Me gusta crear el lugar donde todo se une y donde todo se cruza.

Lilliana: ¿Por qué mencionas el laberinto?

Nayda: Porque no puedo evitar mencionarlo. La referencia está en mis telas, en los mapas que estoy trabajando. Pero no se trata de que esté yo perdida en el laberinto o de que alguien se pierda en el laberinto, sino que me refiero al laberinto como algo navegable, con distintas opciones y distintos caminos.

Lilliana: Tradicionalmente, el laberinto es un espacio disfórico, de gran ansiedad, en cuyo centro está la bestia, un espacio del cual sólo los héroes pueden regresar... En tus telas veo ese planteamiento, pero en tus obras geográficas, y en esas donde hay una prestidigitación con las vitrinas, hay un guiño en la obra que te deja participar de una sabiduría relacionada con un espacio del juego, lugar que uno puede abandonar en cualquier momento: jugar al laberinto, y se trata de estímulos tecnológicos… ¿Cómo escoges el medio?

Nayda: Ahí es que tú ves lo que hace cada medio. Mi obra en tela no es lo mismo que mi obra en dibujo —aunque las telas las considero dibujos y hago obras sobre papel que parecen telas—. La primera obra en la cual trabajé un tipo de mapa fue para la exhibición Configuraciones en la Galería Raíces. Quise pensar en el espacio de la galería como un contenedor del juego, y fue la primera vez que pensé en el espacio como conectado a otros espacios que se trabajaron como una totalidad. Mapas, monitores… necesitaba algo que conectara todo eso, y empecé a trabajar con los tapes de colores. Trabajé el mural por primera vez, cables eléctricos como continuidad de la línea de dibujo, y el tape… y ahí tenía un propósito de diseño museográfico, pero empecé a ver cómo podía trabajar esto como un mapa. Y he seguido trabajando el espacio de esa forma. Siempre pienso en mi área geográfica, y por eso pienso siempre en el Triángulo de las Bermudas, como chiste, como mi lugar, como espacio mítico… he hecho todo tipo de cambios al triángulo. El triángulo me ha servido como un eje. Trabajé estas referencias geográficas con cuerpos y en términos sexuales, y luego lo comencé a trabajar con los mapas.

Lilliana: Qué curioso, Nayda... es mediante la triangulación que nosotros encontramos nuestro lugar en el mundo, que podemos enfocar lo que miramos… Es también interesante, Nayda, como tú trabajas con lo que Giorgio Agamben llama “aparato”, esos sistemas externos que regulan nuestras conductas, como los mapas, como los itinerarios, como el lenguaje mismo, que es el aparato más antiguo. Tradicionalmente en el arte, el uso del lenguaje, del texto, en una obra, hecha a perder la mímesis, la perspectiva, por ejemplo. Tú usas el texto de muchas maneras en tu obra. ¿Podrías hablar un poco sobre eso?

Nayda: Yo empecé trabajando con mi voz. Pero eso era un cuento. Pero me decidí por el texto escrito. Lo que busco saber es lo que la gente hace cuando está leyendo. Me atrajo en términos de lo que eso podía producir en términos de manipulación del observador. En mis obras ves anotaciones que de cierta manera revelan mi proceso de pensamiento. Y, claro, algo que me interesaba mucho era la cuestión de la identidad de los dos idiomas. Y me pregunto qué es lo que me hace hacer el switch. Por ejemplo, lo básico es que lo personal está en español y lo institucional está en inglés, y ahí yo comienzo a manipular para que eso no se haga tan obvio. En mi obra está el español, el spanglish, todas estas palabras tecnológicas, y lo que más me encanta que es la manipulación, la abreviación, los juegos visuales, la parte postalfabética del uso del texto, y las limitaciones de todos estos nuevos aparatitos, con sus text messages, los chats, todo lo que los aparatos de comunicación han hecho para alterar el idioma, es algo súper creativo. Y estoy trabajando mucho en eso ahora, lo análogo y lo digital y el espacio donde se unen. Es lo que trabajo en la obra ESCaperucita & The Flying Hood, que presenté en la Bienal de La Habana el año pasado: el “toquetextéame”, o la imposibilidad de una cosa y de la otra. Hay muchos momentos de desencuentro y muchos momentos de humor. Combinar cosas que a lo mejor no combinan, a mí me combinan fabulosamente.

Lilliana: La necesidad del texto escrito siempre implica ausencia. Se escribe para el que no está o porque alguien no está. O para cuando ya yo no esté. La escritura es una huella… Es la escritura lo que nos posibilita separarnos de nuestros enunciados. Empezaste hablando —“the artist is present”— y terminaste escribiendo —“the artista is absent”— y eso es interesante por dos cosas: el habla ocurre en el tiempo... Y la escritura, al ser trazo, es espacial. Si usas texto escrito en la televisión, que corre temporalmente, la escritura detiene ese tiempo porque, si no, no puedes leer lo que allí dice. Tú inviertes los papeles, desafiando el propio archivo de la escritura. Por otra parte, la escritura es una abstracción radical del objeto. ¿Qué te ofrece el lenguaje?

Nayda: Mi obra comenzó bien introspectiva, con autoretratos… pero de momento me aburrí de mis sentimientos, de mis pensamientos. Prefiero crear estas múltiples narrativas y estos múltiples fragmentos. Lo que el texto me ofrece es la marca. Hay una relación entre mis abstractos y mis textos porque la experiencia del espectador es similar. Por ejemplo, mis telas hay que leerlas. O con el escáning, no hay un punto focal, tienes que moverte para comprender. Busco la marca no objetiva y los textos por esa misma razón. Pero considero el texto, no como abstracción, sino como una marca directa al espectador, de algo reconocible, de un mensaje. Me atrae que de momento un texto, un mensaje, llegue a tu cara como otra cosa. Me gusta eso que el texto me da. No soy así, on your face, con mi trabajo de video. Pero con el texto sí: quiero que el espectador me atienda.

Por Lilliana Ramos Collado, Ph.D.
Curadora, Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico

"Reverberación" en el MAC. Taller Vivo DocMac, curado por Carmen Oquendo Villar como parte de la exhibición conmemorativa "careos/relevos: 25 años del Museo de Arte Contemporáneo", 1-6 agosto.